La mirada escrita

Misterio y seducción

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Nicolás Abello habla de “La mirada escrita”, un policial cordobés que se estrenará este jueves en el Cineclub Municipal Hugo del Carril

El Festival de Cine Independiente de Buenos Aires (Bafici) mostró este año una renovación inesperada de la producción local: cinco películas cordobesas se estrenaron en el certamen ecuménico, aunque la novedad no estuvo en ese dato sino en la diversidad de las propuestas y las distintas facturas que mostraron, todas bastante alejadas de las tendencias que venían dominando al cine local en los últimos años. De entre ellas, la mayor sorpresa para quien escribe estas líneas fue “La mirada escrita”, la única película que no participó de alguna competencia del festival, firmada por un estudiante de la Facultad de Artes de la UNC, Nicolás Abello, que sin presupuesto ni más experiencia que su trabajo previo en “Las Calles” (2016), de María Aparicio, y en publicidad se animó a lo que pocos hasta entonces, filmar un policial de aliento clásico en Córdoba.

El resultado es un filme que, aún con ciertas irregularidades, tiene algunas de las escenas más bellas e inspiradas que ha dado la cinematografía local, gracias a una particular mixtura entre cinefilia y pericia narrativa que sorprende por la juventud del director, además de uno de los descubrimientos más prometedores de los últimos tiempos: la bellísima cantante de jazz Gabriela Beltramino, que sorprende como la protagonista muda del filme.  Aquí, Abello explica la génesis de estos hallazgos.

¿Cómo surgió la idea de filmar un thriller en Córdoba?

Nicolás Abello (NA): El tema del thriller es más una decantación que una búsqueda. A mí siempre me gustó el cine popular. Sin embargo, en el momento en que empezamos a pensar en hacer esta película convergieron varios factores que nos permitieron entender cómo filmarla. Digo “cómo” porque a fin de cuentas eso era para nosotros más importante incluso que la historia a filmar. Yo terminaba de leer “El cine según Hitchcock”, de Francois Truffaut, y creía haber encontrado una explicación que me permitía entender el lenguaje cinematográfico de una manera distinta a como lo venía pensando hasta ese momento. De cierta forma, en las películas de Hitchcock es evidente que todo funciona a la perfección. Y lo increíble es que en el libro, Hitchcock explica por qué sucede esto. Creí encontrar en el libro reglas (yo le digo mandamientos porque es una especie de Biblia cinematográfica) del suspenso. Transcribí esas reglas a un word que todavía guardo, para no olvidarme, y pensamos junto con Emanuel Díaz (guionista y montajista de la película) en escribir un guión que respondiera todo el tiempo a esas consignas. En resumen, la película nació como un gran ejercicio cinematográfico.

Lo que sí creo es que el equipo de rodaje para hacer una película así era (y fue) indispensable. Sabíamos desde el inicio que el presupuesto era casi nulo. Cuando terminamos el guión, hicimos un storyboard plano por plano; y terminamos con una película de más de 700 tomas. Una locura, sin dudas potenciada por la inexperiencia de todos; pero tenía mucho sentido que en la preproducción supiéramos casi día por día lo que teníamos que hacer, sin dejar lugar a la improvisación. Era muy importante para nosotros podernos acercar lo máximo posible a esa idea de película, y eso requería un equipo que entendiese el tipo de rodaje que se necesitaba. Luciano Hernández, el productor, e Ismael Zgaib, el asistente de dirección, fueron indispensables para garantizar que sin importar cómo llegáramos organizados al final del rodaje; que llevó aproximadamente 6 semanas. Por supuesto, mucho de esa película dibujada desapareció, pero la idea creo que está por ahí en algún lugar. Las escenas que gustan más, creo (y esto es muy gratificante), son las que más se parecen a lo planeado.

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¿Qué dificultades y ventajas encontraste para filmar en nuestra ciudad?  

NA: Córdoba es una ciudad que ofrece mil posibilidades a la hora de pensar el cine. Lo más valioso sin dudas es que las personas que componen el llamado “cine cordobés” son antes que nada, excelentes personas. Muchos directores súper reconocidos nos dieron una mano para llevar la película adelante; y desde el vamos hay actores y actrices que se sumaron por cariño y amor al cine por sobre todas las cosas. Eso es realmente increíble. No sé si sucede en otros lugares. Después, sí creo que la ciudad aún podría hacer un esfuerzo más para potenciar esta disciplina. En su momento fue difícil conseguir permisos para filmar en distintos lugares, y a veces el simple hecho de solicitar un corte de calles es más complicado de lo que quizás debería ser. Quizás esto ya ha cambiado, nosotros filmamos en 2014 y creo que nuestra inexperiencia tampoco ayudaba mucho a la hora de tener que pedir ayuda.

Hay muchas referencias cinéfilas en tu película, ¿cómo incorporaste estas influencias y de dónde vienen? 

NA: En mi secundario, el Instituto República de Italia, tenía especialización en cine y Alejandro Cozza fue uno de mis profesores. Él resaltaba la importancia de ir al Cineclub Municipal, y eso me abrió la puerta a un cine no imaginaba que existía. Durante un par de años estuve muy preocupado, porque no terminaba de entender qué sucedía en ese otro cine. Creo que enfrentarse a esa otredad fue algo muy valioso y de ahí tuve que volver al cine clásico para tratar de entender. Cuando se entiende a la tradición del lenguaje se entiende el por qué de las cosas, y se re-entiende lo que vemos hoy.

Así llegué a Hitchcock. Él fue un punto de partida teórico, casi filosófico. (Brian) De Palma sin duda está ahí también, como una profundización sobre ese estilo cinematográfico. Éste es un estilo que hoy por ejemplo podría verse quizás en directores como Olivier Assayas o David Fincher. Llegar a ellos a partir de una comprensión de la historia de esa tradición del suspenso cinematográfico permite quizás entender hacia donde se quiere (o se podría) ir. Pero eso lo comprendo mejor hoy que cuando filmábamos la película. 

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Nicolás Abello

¿Cómo pensaste la puesta en escena en este sentido? Hay una voluntad por trabajar con planos secuencias muy complejos para el nivel de producción que tenías ¿Por qué elegiste esa poética? 

 NA: Creo que los planos secuencias que aparecen en la película no son (o no quisieron nunca ser) caprichosos. Por ejemplo, una de las condiciones de la película era que teníamos que mostrar al asesino temprano, porque así podríamos mantener la tensión cada vez que él apareciera. El primer plano secuencia, el de los zapatos en la fiesta, tenía la función empírica de decirle al espectador: “¡Mira! ¡Está acá! … no te distraigas con lo que va a pasar, porque cualquiera puede ser el asesino”, y de esa manera todo lo que venga después está teñido de misterio.

Hitchcock había hecho algo similar en “Young and Innocent”, pero al final de la película. Lo increíble del plano de él es que es un plano invisible. El tiempo es tan perfecto que mientras uno lo ve, no es consciente de estar mirando un plano secuencia. A nosotros eso no nos salió. Sin embargo aceptamos que estuviera, porque cumplía con la función narrativa que le habíamos pedido.

Algo similar sucede en los planos secuencia posteriores. Generalmente la elección de hacer este tipo de planos está ligada a algo que se espera lograr, sobretodo en el terreno de lo perceptivo. Al no haber cortes uno tiende a preguntarse (inconscientemente) que va a pasar a continuación… no nos podemos anticipar a la acción. Es otra forma de utilizar el lenguaje cinematográfico con el objetivo de hacer al público partícipe de la escena.

¿Cómo trabajaste el sonido y la iluminación? 

NA: Son dos elementos de la puesta en escena en la que pude aprender de los jefes de área, más que proponer yo los elementos. Cesar Aparicio, el DF de la película, hizo una propuesta estética sobre la luz y yo pude aprender de esa experiencia mientras lo veía trabajar. Con el sonido sucede lo mismo. Primero con Facundo Corsini y Alvaro Artero, pensamos en un diseño sonoro que debía ser construido casi de cero y experimentamos mucho con esto durante un año. Al llegar al proceso de mezcla, el aporte de Juan Manuel YeriRacig fue increíble. Él rearmó la película sonoramente y yo creo que en ese momento recién entendí la importancia del sonido en el cine contemporáneo. Algo que los sonidistas dicen mucho al editar es que hay que “darle cuerpo a los sonidos” y yo creo que capaz la importancia del sonido hoy es justamente darle cuerpo a la imagen digital.

¿Por qué decidiste ambientarla en una redacción de un diario? Hay una ambientación que remite al cine noir por momentos pero al mismo tiempo parece transcurrir en la actualidad…

NA: Es interesante cómo hay cosas a las que se llega más por intuición que por búsqueda consciente. Creo que la redacción del diario no es tan importante para mí como el trabajo del periodista en sí mismo. De algún modo, los (buenos) periodistas son el último remanente “verosímil” del clásico detective privado del film noir.

Después, la oficina de la redacción y lo que ahí sucede en realidad remite más a la lógica espacial de mi primer trabajo, en una agencia de publicidad. Nos tomamos (quizás demasiadas) licencias narrativas en lo referido al verdadero trabajo en un diario, pero lo que a mí me interesaba era el trabajo sobre el espacio cinematográfico.

Hablando sobre la ambientación… Creo que es como si hubiésemos tomado como referencia películas que ya venían reversionando al cine negro. De nuevo, no soy el único responsable de lo que se ve en pantalla. Yo sabía que la historia no podía suceder en un mundo contemporáneo porque eso podía dañar un poco la estructura estereotipada de la narrativa. Romina Vlachoff y Virginia Vallés, que hicieron todo el diseño de arte de la película desde cero, sugirieron ir a un futuro no muy lejano; y despegarnos absolutamente de la imagen realista de éste tipo de películas. Recuerdo que en la película, salvo momentos muy específicos, no podían aparecer los colores rojo y verde, porque la paleta viraba constantemente entre el azul y el amarillo. Esta idea es genial, porque genera una imagen mental del color de la película muy precisa. El vestuario fue armado por una diseñadora, Carla Gryb, desde cero y con ese mismo objetivo. Es increíble que tan pocas personas hayan logrado hacer tanto con tan pocos recursos a su disposición, y sería tremendamente injusto adjudicarme yo sólo ese mérito.

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¿Cómo fue el trabajo con Gabriela Beltramino?

NA: Gabriela, creo que ya es bastante sabido, es cantante de jazz. Yo la conocí por medio de María Aparicio, e instantáneamente pensé que si ella quería podríamos trabajar juntos. Creo que tenemos gustos muy similares en lo que refiere a una mirada nostálgica sobre el pasado. Gabriela no solamente tiene un rostro y una voz potentísimos, sino que expresa muchas de las características propias de una época histórica gracias a su vínculo con el Jazz.

Nosotros no habíamos armado un enorme trasfondo para el personaje de Ana. Sabíamos solamente que el personaje tenía algo de las características de las mujeres del cine mudo, que era amante del cine clásico; y que no hablaba. Esto empezó a definir un poco cuáles eran sus gustos, su forma de vestir, su forma de comunicarse. Gabriela llegó al proceso con un personaje definido pero a su vez, creo que las últimas escrituras del guión ya eran con ella en mente y eso nos servía para imaginarla, al menos visualmente, en la película.

¿Cómo ideaste la escena del beso?

NA: La escena del beso fue lo primero que escribí del guión. Lo escribí casi como si fuese un corto. La escena completa, que va desde que ella está sentada viendo la película sola, hasta el momento en que el personaje de Franco llega y finalmente se besan se escribió en el año 2013, meses antes de la escritura del guión completo. Recuerdo haber pensado en la imagen de una persona que hablara con otra a través de los diálogos de una película. También recuerdo que en ese momento un triste desenlace amoroso personal me había dejado la frase “no creo en los silencios incómodos”. De algún modo así nació la idea del personaje de Ana, creo. Como convertir un desamor verdadero y sufrido en una escena con cierta bondad. En abril de 2014, cuando empezamos a escribir con Emanuel el guión del largometraje, él retocó algunas ideas; pero la imagen general se mantuvo.

 ¿Te gustaría seguir trabajando en cine de género? ¿Tenés nuevos proyectos?

NA: En este momento estamos en pleno proceso de escritura de una nueva película… es más oscura y menos inocente que “La mirada escrita”, pero profundiza varios de los aspectos interesantes de la ésta, en términos cinematográficos. Creo que cuando escribimos con Emanuel siempre pensamos en el público y en cómo hacerlos participar activamente de la película. De cierta forma eso nos vincula inmediatamente al cine, como mínimo, popular. Es lo que nos interesa hoy, y hasta no terminar de entenderlo probablemente nos mantendremos dentro de éstos límites.

 ¿Qué expectativas tenés con el estreno en Córdoba?

NA: No tengo demasiadas expectativas para la película. Creo que lo que suceda con el estreno estará bien. Hay un pequeño gag oculto en la película que refiere al Cineclub Municipal. Eso está en el guión, escrito a mediados de 2014 y se mantuvo hasta hoy. De algún modo nuestro deseo era poder llegar a estrenar ahí. Nuestra gratitud y felicidad para con la película es absoluta, y creo que en este momento la película deja de ser nuestra para pasar a ser del público. Siempre fue ese nuestro sueño, por suerte somos muy jóvenes todos y tenemos nuestras carreras por delante. Lo demás quedará para futuros proyectos.

Por Martín Iparraguirre

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PD: los horarios de las distintas proyecciones del filme se pueden consultar aquí http://cineclubmunicipal.com/production/la-mirada-escrita/

Published in: on 1 junio, 2017 at 2:05  Dejar un comentario  

FICIC 2017

Una saludable tradición

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“Jóvenes infelices o un hombre que grita no es un oso que danza”

La séptima edición del FICIC confirmó la calidad de este encuentro anual

El Festival Internacional de Cine Independiente de Cosquín (FICIC) culminó ayer su séptima edición con la seguridad de saberse una propuesta consolidada, con una identidad propia ya reconocida por el público, que este año se pudo afinar en una selección de películas que aunó rigurosidad y riesgo e incorporó nuevas propuestas que fueron respaldadas por los espectadores.

El FICIC confirmó, una vez más, su particular fisonomía: ser un festival que une la exigencia de una programación original, que se desmarca de cualquier moda, a una práctica de la cinefilia eminentemente popular, que entiende al cine como un arte de todos, sin distinguir clases culturales o jerarquías sociales. Gente de todas las edades y gustos volvió a llenar las salas del FICIC en prácticamente todas las funciones del viernes y sábado, fue a las charlas y pudo hablar con directores, críticos y programadores, conformando una comunidad que por unos días experimentó al cine como una práctica vital, como un modo de abrirse a los otros y sus experiencias para (re)pensarse a sí mismos, en el conflictivo mundo que vivimos.

No se trata de un logro menor, ofrecer la posibilidad de que una comunidad pueda apropiarse de una cultura global a partir de una oferta de películas y actividades que pocos festivales consiguen brindar, lo que debería interpelar al poder político para garantizar su subsistencia y subsanar los déficits que aún tiene, relacionados a la falta de recursos. El FICIC sigue creciendo pero siempre a pulmón, gracias a la dedicación obstinada de sus responsables, lo que pone techo a sus ambiciones y sus posibilidades. Es hora de que los gobernantes entiendan la importancia de estos eventos, que no sólo aportan calidad de vida a su población, sino que también sirven como vidriera hacia el exterior y el resto del país, con lo que su rédito político es doble.

FICIC GANADORES

Los ganadores de FICIC 2017

Por lo demás, la gran ganadora del FICIC 2017 resultó la brasileña “Jovens Infelizes ou Um Homem que Grita Não É Um Urso que Dança” (Brasil), de Thiago B. Mendonça, que en cierta medida resume bien la propuesta del festival: política en su más estricto sentido, el filme registra la actividad de un grupo de teatro insurgente con una originalidad formal a tono con la radicalidad de sus posturas, convirtiéndose en un testimonio indirecto de cierto malestar colectivo que anticipó el golpe contra Dilma Rousseff. El propio B. Mendonça, en su emotivo discurso, llamó a militar por un cine rebelde que se levante estética y políticamente contra el regreso del conservadurismo en América Latina. “Dedico el premio a todos mis hermanos brasileros que realizan películas insurgentes y políticas, y que sufren amenazas de la policía o están encarcelados. Ojalá podamos seguir pensando maneras de hacer política desde la poesía”, afirmó entonces Mendonça (*). A su vez, dentro de la misma competencia, tuvieron menciones los filmes “La Siesta del Tigre”, del argentino Maximiliano Schonfeld, y “Brüder der Nacht”, del austríaco Patric Chiha.

En la Competencia Internacional de Cortometrajes ganó “A Nice Place to Leave” (Estados Unidos), de Maya Connors, un ambicioso ensayo en torno a la propia identidad de la directora, con una mención especial para “A History of Sheep” (Argentina), de Ezequiel Vega. Cortos de Escuela, a su vez, premió el trabajo “¿Dónde estás en el futuro?”, de Julieta Seco, estudiante de la Facultad de Artes de la UNC, mientras que el Premio CINE.AR TV quedó para “Mercado”, de Luciano Giardino, del Taller de Cine UNL, y el Premio Rafma para “A quien corresponda”, de Valeria Fernández, de la FUC.

Algunas de las nuevas películas cordobesas tuvieron también su estreno provincial en FICIC: “Otra madre”, de Mariano Luque, en la Competencia de Largometrajes, y “La mirada escrita”, de Nicolás Abello, como película de cierre, se encontraron por primera vez con su público natural, y la repercusión fue tal que tuvieron que agregarse funciones para que todos los asistentes pudieran verlas. El FICIC no vive en una burbuja, se inserta en su contexto para construir un espacio de comunicación con el mundo y de reproducción de los bienes culturales a través del cine, prácticas que parecen en peligro de extinción, lo que cada año lo vuelve más necesario.

Por Martin Iparraguirre

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Palmarés final

-Competencia de Largometrajes:

Mejor Largometraje: “Jovens Infelizes ou Um Homem que Grita Não É Um Urso que Dança”, Director: Thiago B. Mendonça, Brasil

Menciones Especiales:

1° Mención: “La Siesta del Tigre”, Director: Maximiliano Schonfeld.

2° Mención: “Brüder der Nacht”, Director: Patric Chiha, Austria.

-Competencia de Cortometrajes:

Mejor Corto: “A Nice Place to Leave”, Director: Maya Connors, Alemania, USA.

Menciones Especiales: “A History of Sheep”, Director: Ezequiel Vega, Argentina.

-Competencia Cortos de Escuela: “¿Dónde estás en el futuro?”, Director: Julieta Seco, Argentina

Premio CINE.AR TV: “Mercado”, Director: Luciano Giardino, Argentina

Premio Rafma (Red Argentina de Festivales y Muestras Audiovisuales): “A quien corresponda”, Director: Valeria Fernández, Argentina

Premio del público – Confitería Europea: “Los Globos”, Director: Mariano González, Argentina

Premio “Gracias Por Venir” (a los espectadores):Fabián Costa (Córdoba)

Reconocimiento por sus 10 años en la Industria Auodiovisual del país y su compromiso con el Cine Argentino y Latinoamericano: Hasta 30 minutos distribuidora, de Luciana Abad.

(*) Agradezco la transcripción de las palabras de Thiago B. Mendonça a Demian Orosz, pues fueron tomadas de su nota para La Voz del Interior para actualizar este texto.

Published in: on 8 mayo, 2017 at 16:11  Dejar un comentario  

FICIC 2017

Un arte por descubrir

El futuro perfecto

El futuro perfecto

El Festival Internacional de Cine Independiente de Cosquín abre hoy a las 20 su séptima edición con la proyección de “El futuro perfecto”, de Nele Wohlatz, en el Centro de Congresos y Convenciones de la localidad

Los grandes festivales de cine tienen una misión implícita pero universalmente reconocida, pues se entiende que en su programación deben ofrecer un panorama del estado del cine mundial en un momento dado. Se va a Cannes, a Berlín, a Venecia o a Mar del Plata con la expectativa de acceder a las películas importantes de la temporada global, no sólo de los directores reconocidos sino también, sobre todo, de aquellos nuevos valores que comienzan a asomar con una visión original del mundo y por tanto del propio arte. Una exigencia mayor consiste en esperar que ese programa siente además una posición específica respecto al cine, que proponga una agenda en la que los espectadores puedan (re)conocer poéticas particulares que exploren las posibilidades del séptimo arte y testimonien por eso mismo las tensiones que implican con los mandatos del mercado.

Con 400 o 500 películas en programa, la primera exigencia resulta habitualmente más fácil de cumplir que la segunda, que suele naufragar en las declaraciones de buenas intensiones de funcionarios y programadores. No es el caso del Festival Internacional de Cine Independiente de Cosquín (Ficic), que hoy iniciará su séptima edición con una certeza reconocida por todos: en sus más de 50 películas, el espectador podrá acceder a un horizonte posible del cine contemporáneo que nada tiene que ver con las modas dominantes en los distintos circuitos de exhibición, sino con una voluntad de explorar las potencialidades más fértiles del cine.

Posición que no implica uniformidad estética o narrativa alguna, pues el Ficic parece ir apostando cada año a una mayor heterogeneidad en su programa. “En nuestra séptima edición, las películas son formal y temáticamente diversas. Transmiten rabia, curiosidad, misterio, deseo, tristeza, compasión, amabilidad. Hay películas con una estructura exigente y otras elegantemente clásicas. Todas honran el cine”, destaca de hecho el crítico Roger Alan Koza, su director artístico, en la presentación del festival.

Paris est une fète – Un film en 18 vagues

Paris est une féte

Sólo en la Competencia Internacional, que incluirá varios estrenos nacionales, habrá desde ensayos sobre la conflictiva actualidad mundial como “Paris est une fète – Un film en 18 vagues” (Francia), el nuevo acercamiento de Sylvain George al dilema de la inmigración europea, a experiencias colectivas como “Jovens Infelizes ou Um Homem que Grita Não É Um Urso que Dança” (Brasil), de Thiago B. Mendonça, o individuales como “Los globos” (Argentina), de Mariano González, atravesadas de una u otra manera por la política, o un particular policial basado en la obra de Juan José Saer como “Toublanc” (Argentina), de Iván Fund, y un sensible retrato de la condición de la mujer en las clases populares como “Otra madre” (Argentina), de Mariano Luque, por citar algunos ejemplos.

Habrá retrospectivas sobre la obra de dos jóvenes cineastas prácticamente desconocidos en el país, como Camilo Restrepo (Colombia) y Julian Radlmaier (Alemania), el ya clásico ciclo de proyecciones en 35 milímetros que distingue al Ficic, dedicado esta vez a los 100 años de la revolución rusa con la proyección de tres obras maestras (“Mi amigo Iván Lapshin” -1984-, de Alekséi German, “Octubre” -1928-, de Grigori Aleksándrov y Serguéi Eisenstein, y “Tres cantos para Lenin” -1934-, de Dziga Vértov), una sección especial dedicada al “cine social” que abordará la violencia contra las mujeres a través de tres cortometrajes, un foco dedicado a autores argentinos con “Cump4rsit4”, de Raúl Perrone, y “El día nuevo”, de Gustavo Fontán, y hasta dos películas sorpresa del cine de género en la nueva sección “Trasnoches de Superacción”, cuyo título lo dice todo. A todo esto, hay que agregar por supuesto las competencias de Cortometrajes, con once trabajos de distintas partes del mundo -que incluyen obras de grandes realizadores-, y Cortos de Escuela, con obras de estudiantes de distintas universidades de nuestro país, más actividades paralelas como charlas con directores como Fontán o con protagonistas de la joven crítica argentina.

Aún así, no resulta casual que detrás de esta multiplicidad puedan detectarse vasos comunicantes, relaciones diversas entre las películas que hablan de una visión común de fondo, ciertas ideas sobre el cine que revelan aquella posición mentada al inicio del texto. Una de ellas, nada menor en el actual contexto del país –y más aún para los festivales de cine, que suelen buscar aislarse en una burbuja-, tiene que ver con la incorporación de la política como una dimensión natural del cine, con filmes que de alguna u otra manera abordan experiencias personales o conflictos colectivos derivados de las relaciones entre clases sociales o entre los individuos y el capital, transcurran en Europa, en Latinoamérica o en nuestro propio país. Otro eje es la apuesta decidida al riesgo estético y narrativo como norte, con propuestas que aún siguiendo distintas tradiciones buscan explorar los límites del cine, para verificar acaso que se trata de un arte con mucho por descubrir. Si el Ficic consigue confirmar esta intuición, habrá cumplido sobradamente su tarea.

Por Martín Iparraguirre

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El Ficic se llevará a cabo entre hoy y el domingo. Entradas (desde los 30 pesos)  y grilla de programación completa en la web http://www.ficic.com.ar

Aquí, sus competencias

Categoría LARGOMETRAJES:

66 Kinos Philipp Hartmann (2016) Alemania
Ama-San Cláudia Varejão (2016) Portugal, Suiza, Japón
Brüder der Nacht Patric Chiha (2016) Austria
Jovens Infelizes ou Um Homen que Grita Não é Um Urso que Dança,
Thiago B. Mendonça (2016) Brasil
La siesta del tigre Maximiliano Schonfeld (2016) Argentina
Le parc Damien Manivel (2016) Francia
Los globos Mariano González (2016) Argentina
Otra madre Mariano Luque (2017) Argentina
Paris est une fète – Un film en 18 vagues Sylvain George (2017) Francia
Toublanc Iván Fund (2017) Argentina
Una ciudad de provincia Rodrigo Moreno (2017) Argentina

Jurado: Gustavo Fontán / John Campos Gómez (Perú) / María
Aparicio

Categoría CORTOMETRAJES:

A History of Sheep Ezequiel Vega (2016) Argentina
A Nice Place to Leave Maya Connors (2016) Alemania, USA
Adiós a la noche Ezequiel Salinas (2016) Argentina
All Still Orbit Dane Komljen y James Lattimer (2016) Croacia, Serbia, Alemania, Brasil
Ascensão Pedro Peralta (2016) Portugal
El otoño del ceibo Alejandro Fernández Mouján(2016) Argentina
El sueño de Ana José Luis Torres Leiva (2016) Chile
El susurro de un abedul Diana Montenegro (2016) Rusia, Colombia
Hugo Juan Villegas (2017) Argentina
La victoria Martín Emilio Campos (2017) Argentina
The Beast Michael Wahrmann y Samantha Nell (2016) Francia, Sudáfrica, Brasil

Jurado: Jesús Rubio / Lucas Granero / María Laura Pintor

Categoría CORTOS DE ESCUELA:

A quien corresponda Valeria Fernández (2016) FUC
Continue Sheuen Mondelo (2016) FUC
¿Dónde estás en el futuro? Julia Seco (2016) Facultad de Artes-UNC
Ejercicio sobre la ciudad Santiago Aulicino (2016) FUC
En la frontera Tomás Zabala (2016)FADU
La distancia entre los médanos Carla Francolino y Carolina Lara Grimberg (2016) FADU
La unidad de los pájaros Cruz Lisandro Morena (2016) Facultad de Artes-UNC
Luca/Brian Ornella Giagnacovo y Micaela Ferraro (2016) FADU
Mercado Luciano Giardino (2016) Taller de Cine UNL

Jurado: Josefina Gill / Martín Álvarez / Silvina Szperling

Published in: on 3 mayo, 2017 at 15:34  Dejar un comentario  

Bafici 2017

Premios sin sustancia

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Niñato

La 19 edición del Bafici cerró con un palmarés que no le hizo honor a su edición

Los premios suelen ser lo menos interesante de un festival de cine, cuya vida está en los intensos días de maratones cinéfilas que propone a sus asistentes. Sin embargo, el palmarés final de un encuentro establece una agenda, una línea editorial del festival que paradójicamente sólo pertenece indirectamente a sus responsables –por la selección de películas que organizan en cada competencia– porque los jurados son, por regla, exógenos, para evitar cualquier parcialidad y suspicacia (y otorgar por supuesto un prestigio adicional al encuentro a través de su participación). La prensa toma los resultados y difunde su juicio lapidario: las películas importantes fueron estas y no otras, visibilizando obras que en contados casos suelen ser las más valiosas.

Tal el juego sin dudas injusto, un tanto perverso, que esconde toda premiación artística, que si bien constituye un aliciente importante para los involucrados, siempre termina invisibilizando espacios esenciales del festival, habitualmente los más interesantes. Ocurrió nuevamente en el Buenos Aires Festival Internacional de Cine Independiente (Bafici), que el domingo cerró con un palmarés que no hizo honor a su 19 edición, pues dejó afuera las películas más interesantes en la mayoría de sus competencias.

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Viejo calavera

La gran ganadora del encuentro fue la española “Niñato”, de Adrián Orr, que se alzó con el premio a Mejor Película en la Competencia Internacional por sobre las pocas obras que habían sorprendido en la sección, principalmente “Viejo Calavera” (Bolivia), de Kiro Russo, filme sobre las experiencias de una comunidad minera del Altiplano boliviano que indirectamente constituye un tratado conmovedor sobre el uso de la luz en el cine (que sólo mereció el Premio Especial del Jurado). La principal virtud del filme de Orr, documentalista debutante en el largometraje, está en un valor extracinematográfico como es su compromiso social en el retrato que propone de la crisis económica española a través de la historia de un madrileño desocupado, amante del hip-hop y padre de tres hijos, que ya se ha resignado a no buscar trabajo. A su vez, en la misma sección, resultó mejor directora la catalana Carla Simón por su propia historia retratada en “Estiú 1993”, que con sensibilidad narra el proceso de adaptación de una niña de 6 años a una nueva familia, tras la muerte de su madre. También en este grupo hubo una mención especial para “Arabia”, producción brasileña de Affonso Uchoa y Joao Dumans, que según los testimonios de los especialistas que uno lee y admira, fue el otro hallazgo de la sección.

 

La Competencia Latinoamericana repitió este relativo despropósito al premiar como Mejor Película a la brasileña “A cidade do futuro”, de Cláudio Marques y Marilia Hughes, por sobre filmes notables como “Correspondencias” (Portugal), de Rita Azevedo Gómez, o “El ornitólogo” (Portugal), de Joao Pedro Rodríguez, que estuvieron entre lo mejor de todo el festival pues el cine portugués de ayer y hoy demostró estar por sobre todo el resto de las cinematografías (ver aquí https://lamiradaencendida.wordpress.com/2017/04/26/bafici-2017-3/).

Distinta fue la suerte en la Competencia Argentina, donde resultó justa ganadora “La vendedora de fósforos”, de Alejo Moguillansky, filme que se elevó sobre la calidad general de la sección –que fue pobre, aunque las películas cordobesas resultaron atendibles– al proponer una lúdica mixtura entre ficción y realidad para abordar la puesta en escena de la ópera homónima, inspirada en el cuento de Hans Christian Andersen, a cargo del compositor alemán Helmut Lachenmann en el Teatro Colón, en medio de fuertes conflictos gremiales que el director supo incorporar a la trama. También en la misma competencia fue elegido Mejor director el debutante Toia Bonino por “Orione”, y se otorgó una Mención Especial a “Una ciudad de provincia”, de Rodrigo Moreno, en la ciudad de Colón, en Entre Ríos, la otra película importante de la sección. Fue la única premiación a la altura de sus propuestas.

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La vendedora de fósforos 

Como de costumbre, con las citadas excepciones, lo mejor estuvo fuera de competencia: la 19 edición del Bafici se recordará por la retrospectiva al director portugués Antonio Reis, que a muchos nos reveló a uno de los autores más importantes de la historia europea, y la visita del cineasta italiano Nanni Moretti, que dio charlas y acompañó casi todas las funciones. El estreno de las últimas películas de algunos maestros contemporáneos, como Hong Sangsoo, Aki Kaurismäki, Kelly Reichardt, Takashi Miike, Raoul Peck, Cristi Puiu o Walter Hill, también está en los créditos del festival aunque es casi un ítem obligatorio del encuentro, que sin embargo no hay que desdeñar.

Por lo demás, el conflicto generado por la intervención en el Incaa del Poder Ejecutivo sobrevoló a todo el encuentro como telón de fondo, gracias a la activa militancia de la comunidad cinematográfica que prácticamente en cada función nacional leyó un texto para explicar la situación, aunque la organización del festival mostró poco entusiasmo para tomar la posta y auspiciar un debate que vaya más allá de las acciones de protesta: hubo alguna charla sobre el Plan de Fomento que naturalmente abordó la cuestión, aunque desde el festival se intentó que la polémica pasara del modo más desapercibido posible. He allí no sólo una gran oportunidad perdida, sino la marca de los límites del festival.

 

Por Martín Iparraguirre

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Published in: on 3 mayo, 2017 at 15:19  Dejar un comentario  

Bafici 2017

El cine de los sentimientos

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Otra madre

Tres películas locales, de muy diversas facturas, se estrenaron en distintas competencias de la 19 edición del Bafici porteño

Los créditos locales comenzaron a jugar su suerte en la 19 edición del Festival Internacional de Cine de Buenos Aires (Bafici) con el estreno casi simultáneo de “El Pampero”, de Matías Lucchesi, “Otra Madre”, de Mariano Luque, y “El libro de Manuel”, de Lucas Damiano y Sebastián Menegaz, que si bien no causaron el revuelo de otros años, sí mostraron un panorama más diverso e interesante de la producción local, que vuelve a dar ciertos signos de vitalidad y recambio.

Uno de ellos es la película de Lucchesi, responsable de “Ciencias naturales” (2014), quien aquí muestra un interesante salto en la búsqueda de un cine de género que pueda competir con los cánones industriales de realización, vertiente prácticamente desconocida en la cinematografía local. Con la actuación de Julio Chávez, Pilar Gamboa y César Troncoso, filmado en el Delta de Tigre y con una producción casi enteramente porteña, lo primero que habría que aclarar empero es que “El Pampero” tiene de cordobés sólo a su director, formado en nuestra provincia pero radicado hace tiempo ya en Buenos Aires. Aunque lo importante en todo caso es que Lucchesi logra aquí una factura a la altura de sus ambiciones, narrar un asordinado thriller entre pocos personajes y en un espacio acotado, con una cuota importante de ambigüedad sin perder por ello interés ni tensión.

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El Pampero

Estrenado en la Competencia Argentina, el filme comienza planteando una incógnita con recursos mínimos: un hombre parece abandonarlo todo antes de iniciar un viaje en velero con destino desconocido. Personaje paradigmático de Chávez, rastreable en películas tan diversas como “Un oso rojo” (2002), de Adrián Caetano, o “El custodio” (2005), de Rodrigo Moreno, este hombre parco y concentrado exhibe un estado delicado de salud, como testimonian sus gestos mínimos al operar las velas e instrumentos de la embarcación, con la que se lanza impulsivamente a la mar en pleno atardecer. Su tranquilidad se verá interrumpida con la irrupción de una joven (Gamboa, a la altura de su partenaire) que permanecía escondida en el baño del velero, y que tiene la ropa y las manos manchadas de sangre. A pesar de la evidencia de su participación en un crimen, el hombre accederá a llevarla por río a Uruguay, aunque en el camino se cruzarán con un tercer personaje, un prefecto interpretado por César Troncoso, que en su calculada amabilidad parece esconder oscuras intenciones.

Con estos elementos mínimos, dos hombres con agendas desconocidas y una mujer con mucho que ocultar conviviendo en un mismo espacio, Lucchesi logra gestionar un clima de tensión que sólo se resiente cuando decide definir algún término de la trama (como el pasado del protagonista), pues generalmente sabe jugar con las ambigüedades que construye en la relación entre sus dos personajes principales, marcada por el drama silencioso de Chávez. La pulcritud formal de la película es otro valor, pues Lucchesi sabe cómo ubicar la cámara y cómo encuadrar a sus actores para que desplieguen un trabajo notable en la dosificación de gestos para construir intensidades subterráneas, y sostener un guión que pierde cuando se vuelve explícito.

Quien sin dudas sabe cómo filmar a sus personajes es Mariano Luque, que en “Otra madre” explora sentimientos de menor intensidad pero no por ello menos legítimos e interesantes, a partir de la cotidianeidad de una madre que se ha visto obligada a volver al hogar materno junto a su hija, ante lo que parece ser una ruptura matrimonial. Estrenada en la misma competencia,  “Otra madre” mantiene la preocupación de Luque por explorar la condición de las mujeres en nuestra sociedad, ya mostrada en “Salsipuedes” (2012) con un tema más urticante como la violencia de género. Aquí, su mirada se afina para narrar los esfuerzos, pesares y pequeñas alegrías de una chica de clase media llamada Mabel (Mara Santucho, otra vez notable) que debe reconstruirse en la mitad de la vida, con su pequeño círculo familiar como único amparo, formado también por mujeres.

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Otra madre

Más que la narración de un acontecimiento específico, la propuesta de Luque tiene que ver con la exploración de esa cotidianeidad en lucha sin grandes picos dramáticos pero con una delicadeza que permite captar los sentimientos subterráneos de Mabel, una mujer que intenta reconstruir los sentidos de una vida que parece condenada a la mera supervivencia por las necesidades y los mandatos que impone su maternidad. Exploración que se extiende al círculo familiar formado por su madre, su abuela y su tía, entre otros, donde Luque despliega relaciones de solidaridad, amor y compañía surcadas también por tensiones propias de jerarquías sociales escondidas, sobre todo a partir de la introducción del trabajo como instancia ordenadora. A partir de esta dimensión colectiva, el filme se abre a las experiencias de toda una clase social, con lo que el cine de Luque gana en profundidad y pertinencia sociológica respecto a su obra previa, aunque para ello resulta central la puesta en escena,  dominada por encuadres fijos que registran a una respetuosa distancia, como testigos secretos, a esos cuerpos en lucha. Con la colaboración de Iván Fund (que también presenta “Toublanc”, una muy interesante apropiación del mundo literario de Juan José Saer, en la Competencia Vanguardia y Género) y sobre todo Eduardo Crespo en la fotografía,  “Otra madre” ostenta además un trabajo con la luz de una sofisticación infrecuente para el cine de cualquier latitud, de suerte que a través de sus planos termina devolviendo a los personajes un derecho a la belleza que una mirada superficial de esas vidas seguramente pasaría por alto.

Muy distinta es la calidad de “La película de Manuel”, tercer estreno local de la jornada aunque en la Competencia Latinoamericana, donde Damiano y Menegaz siguen los días de un personaje de excepción, el obrero Manuel Wayar, que además de su trabajo diario como albañil, pintor, plomero o carpintero, es simultáneamente un artista inquieto, en continuo estado de efervescencia creativa. Filmado con una crudeza ajena a los cánones estéticos del circuito de festivales, “La película de Manuel” resulta disruptiva en muchos sentidos: su estética casera, improvisada y hasta sucia podría interpretarse como una declaración (política) de principios frente a la pulcritud tanto del mainstream como del cine independiente nacional, completamente acorde además con el perfil de su personaje, que no entiende de jerarquías. Manuel es capaz tanto de montar una obra del prestigioso autor alemán Heiner Müller como de idear un homenaje a Steve Job con una caja de manzanas, o reelaborar una escena de “Perros de la calle”, de Quentin Tarantino, en una casona vacía donde consigue instalar un centro cultural.

Inteligentemente, Damiano y Menegaz dejan que el brío de Manuel se apropie de la propia película, que mezcla su naturaleza documental con escenas de ficción sin aviso ni distinción alguna, como en un partido de instituto que deviene súbitamente en un drama trágico de ribetes policiales ante la derrota. De espíritu punk, con la irreverencia propia de un arte de barricada aunque sin enunciarlo explícitamente, la película de estos estudiantes de la Facultad de Artes  de la UNC no se parece a nada, lo cuál no es un mérito menor en un contexto donde todas las formas parecen estandarizadas por un cánones estéticos y narrativos que acaso terminan volviéndose clasistas y excluyentes.

Por Martín Iparraguirre

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Published in: on 28 abril, 2017 at 12:51  Dejar un comentario  

Bafici 2017

El cine de la sorpresa

 

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“Trás os montes”

El Bafici vuelve a darle el lugar que la producción portuguesa se merece con un foco en Antonio Reis y el estreno del último filme de Joâo Pedro Rodríguez

 

La agitación cinéfila, por momentos política, marca la cotidianeidad de la 19 edición del Festival Internacional de Cine Independiente de Buenos Aires (Bafici), que en su abultada programación siempre tiene joyas para ofrecer, más allá de las distintas competencias que lo animan. Una de ellas es el foco a Antonio Reis, que se inició el lunes con la proyección de “Trás-os-Montes” (1976), verdadera obra maestra de este director lusitano desconocido para la mayoría, aunque sin dudas fundamental para todo tiempo y tradición. Si los festivales de cine tienen alguna misión que cumplir, esta debería ser la de iluminar espacios relevantes de la historia que no han sido debidamente apreciados en su momento. Las retrospectivas son las instancias propicias para hacerlo, porque permiten revisar en pocos días toda la obra de un realizador específico, concentradas para deleite de los curiosos. Con Reis, el acierto ha sido tal que probablemente se recordará a esta edición del Bafici por haberlo presentado públicamente a sus visitantes –aunque también vale destacar los focos a Nanni Moretti y al español Francisco Regueiro, entre lo mejor del encuentro–.

Primer filme de Reis en colaboración con su esposa Margarida Cordeiro, “Trás-os-Montes” exhibe una concepción del cine como un arte total, no sólo por su aspiración a captar la vida colectiva de una comunidad, tanto material como simbólica, sino también por la impresionante cantidad de recursos que ostenta para hacerlo. Filmada en una región homónima del nordeste pobre y rural de Portugal, este documental de espíritu etnográfico desconoce límites genéricos o formales: a pesar de su simpleza, todo puede pasar en “Trás-os-Montes”, que comienza como un registro de la vida de un pueblo de la región a través de la cotidianeidad de dos niños del lugar pero que de un momento a otro vira hacia la ficción, hacia la fantasía y el relato mitológico o hacia el retrato costumbrista, para revelarse finalmente como un acercamiento político a una comunidad perdida en el tiempo y la geografía, que padece las relaciones de poder de un Portugal centrista y marginador, que progresivamente la va condenando a la desaparición.

Trasosmontes

“Trá os montes”

Realizado con la participación activa de los pobladores del lugar, que nunca hablan directamente a cámara pero que son capaces de escenificar súbitamente una ficción que traslada el tiempo a una monarquía de la Edad Media o poner en escena sus propias tradiciones y experiencias del pasado, el filme rompe todo mandato genérico para explotar las potencialidades poco conocidas del cine. La naturalidad con que pasa del realismo a la más lúdica fantasía, sin perder nunca su pertinencia narrativa a pesar de ese quiebre de los cánones del género, la delicadeza estética de Reis y Cordeiro para hacer de cada plano un vehículo de la belleza del mundo y el trabajo con el sonido como una dimensión central del juego cinematográfico, hace que “Trás-os-Montes” se convierta además en un testimonio contundente sobre la verdadera magia del cine, aquella que permite unir el placer y la emoción al conocimiento profundo de los otros y sus condiciones de vida. Porque todo, finalmente, está en función de conocer a esa población perdida en la montaña lusitana, como ya alguna vez afirmó Jean Rouch, que al describir el filme dijo que “nunca que yo sepa un realizador se había empeñado con tal obstinación en la expresión cinematográfica de una región: quiero decir, en esa difícil comunión entre los hombres, los paisajes, las estaciones. Sólo un poeta loco podía poner en circulación un objeto tan inquietante”.

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El ornitólogo

Con Reis, puede entenderse además la calidad del cine lusitano del presente, pues resulta antecedente directo de directores como Pedro Costa, Miguel Gómez o Joâo Pedro Rodríguez, cuyo último filme se estrenó también el lunes en la Competencia Vanguardia y Género del Bafici. “El ornitólogo” exhibe una capacidad análoga para aprovechar las posibilidades del cine sin las limitaciones acostumbradas de los géneros, aunque aquí se trata de una ficción hecha y derecha sobre el viaje de un investigador de aves por un río que pronto derivará hacia el policial, el relato de aventuras y finalmente el ensayo religioso con el mito de San Antonio de Padua como fondo. Los primeros minutos bastan para captar la esencia de la propuesta de Rodríguez, que filma la travesía en kayak de Fernando (Paul Hamy) por un río salvaje para estudiar la fauna local como una experiencia bucólica para los sentidos, algo que no se limita al placer estético pues el objetivo de fondo es extrañar nuestra mirada acostumbrada (y distraída) de la naturaleza. Rodríguez presenta, en efecto, no sólo la visión de Fernando hacia la naturaleza circundante sino también la de los propios pájaros hacia su protagonista, descentrando la mirada del espectador para que acceda por unos instantes a la misteriosa experiencia de los animales. Claro que el objetivo no es encasillar esa dimensión finalmente imposible de conocer para nosotros, sino al contrario abrir el relato al misterio de la naturaleza, que pronto se potenciará cuando Fernando sufra un accidente y caiga en manos de una extraña pareja de turistas chinas que, a pesar de su aparente dulzura, pretenderá aprisionarlo para tenerlo como esclavo. O más tarde cuando se cruce con un grupo de desconocidos que realizan oscuros rituales paganos en medio de la selva y con un pastor de cabras mudo con el que tendrá un amor homosexual que terminará en tragedia. Casi imperceptiblemente, Fernando irá sufriendo en todo el trayecto una progresiva transfiguración que lo terminará convirtiendo en una suerte de encarnación de San Antonio de Padua, que vendrá a redimir al personaje de sus yerros y defecciones, aunque esa apropiación de la figura religiosa es todo menos cristiana, se diría casi blasfema.

Cómica, lúdica y abierta a la sorpresa permanente, con una puesta en escena de un preciosismo bucólico, la película de Rodríguez vuelve a ser una digna heredera de aquella tradición encarnada por Reis y Cordeiro, confirmando que el cine portugués sigue siendo uno de los más ricos e interesantes del mundo.

 

Por Martín Iparraguirre

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Published in: on 26 abril, 2017 at 12:35  Dejar un comentario  

Bafici 2017

 

El cine de los sentidos

 

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“Viejo calavera”

La 19 edición del Festival Internacional de Cine Independiente ha arrojado pocos hallazgos hasta el momento, aunque el cine brilla en filmes como “Viejo calavera” o “Certain Women”

 

Entre la multitud de películas de distintas formas, épocas y latitudes que ofrece, charlas con directores nóveles o maestros como Nanni Moretti o João Moreira Salles que revelan al cine como una forma viva de pensamiento, y la polémica intervención del Ejecutivo nacional en el Incaa como constante batifondo –a veces latente, muchas explícito–, el Festival Internacional de Cine Independiente de Buenos Aires (Bafici) viene desarrollando una 19 edición con pocos pero valiosos hallazgos, al menos en sus distintas competencias.

Uno de ellos, acaso el mayor para quien escribe –pues todo recorrido es aquí individual, y por tanto todo juicio parcial y relativo–, es “Viejo calavera”, una obra en estado de paradójica epifanía: filmada en un pueblo minero del agreste Altiplano boliviano y protagonizada por un obrero alcohólico en progresiva y acelerada destrucción, la película de Kiro Ruso narra la experiencia vital de una comunidad con un grado de respeto y sofisticación visual que tiene pocos parangones, acaso a la altura de un Pedro Costa (“Cavalo Dinheiro”, entre otros filmes imprescindibles de este siglo, destacada en Bafici 2014). Realizada con la participación de los propios mineros que lo protagonizan, miembros del pequeño pueblo de Huanuni, con el respaldo del sindicato del lugar y financiada por el propio director, “Viejo calavera” está tan alejada de la estética de la “pornomiseria” que suelen apelar los registros de estas experiencias como del paternalismo compasivo que aparenta ser su opuesto, aunque en realidad es su exacto complemento. Nada se acerca aquí a “Ciudad de Dios”, por dar una referencia conocida, aunque la realidad que aborda no es menos urticante que la del filme de Fernando Meirelles.

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“Viejo calavera”

Elder Mamani, su protagonista, es un joven minero que acaba de perder a su padre, respetado obrero del lugar, aunque su única preocupación parece ser la de conseguir alcohol para mantener un estado de embriaguez constante. Su pulsión autodestructiva lo lleva a entrar en permanente conflicto con su entorno, esté formado por su abuela o su padrino, únicos familiares que le quedan, o por sus compañeros de trabajo en la oscura entraña de la mina de Huanuni, que progresivamente ven alterada su cotidianeidad por los desmanes de Mamani, cuyos demonios no encuentran sosiego. A través de esta situación, cuya tensión se irá elevando hasta límites insoportables, Ruso irá revisando las formas de convivencia de una comunidad arrojada a condiciones de vida extremas, donde el clima y el trabajo en la mina definen las coordinadas simbólicas y materiales de todas las dimensiones de la vida. Aunque lo notable es por supuesto la forma en que lo hace, a partir de un trabajo sobre la luz y el sonido que eleva la experiencia cinematográfica a un grado de exquisitez notable, y está muy lejos de constituir un esteticismo vano: la delicadeza con que se filman esos rostros y esos cuerpos traduce materialmente las marcas de la vida bajo condiciones tan hostiles, así como el trabajo dentro de una mina encuentra aquí una representación que le hace justicia. La belleza de ciertos pasajes, como las noches en la montaña bajo unos cielos subyugantes, pareciera pertenecer a una película de ciencia ficción, que transcurriera fuera de este mundo, como acaso sea para nosotros la vida en esas minas perdidas en el Altiplano.

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“Certain women”

Quizás sólo los cielos de Kelly Reichardt en “Certain Women”, presentada en el apartado Trayectorias que agrupa a grandes autores contemporáneos, alcancen un grado similar de sofisticación, aunque su escenario sea la Norteamérica de Montana y su delicadeza menos impactante a una primera mirada. En un pequeño pueblo de aquel estado norteño, la directora desarrollará con su habitual sutileza narrativa las historias mínimas de tres mujeres en lucha por concretar sus anhelos: una abogada (Laura Dern) cuyo compromiso la lleva a ayudar a un conflictivo cliente estafado por las aseguradoras de riesgos del trabajo, una madre (Michelle Williams) que intenta sostener la vitalidad de su familia con la construcción de una casa de campo, y una joven domadora de caballos (Lily Gladstone) que se enamora de una abogada y profesora que llega al pueblo a impartir un curso (Kristen Stewart). Como en toda su obra, Reichardt explora aquí las complejidades de los vínculos humanos con un minimalismo narrativo opuesto a las pirotecnias de Hollywood, pero que en el cuidado de los detalles permite abrir la película a la vitalidad auténtica de la vida.

 

Estreno cordobés

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“Fin de semana”

Con el conflicto en el Incaa asomando prácticamente en cada función de una película nacional –donde se suele leer un texto de las asociaciones de la industria que alerta sobre la importancia del Fondo de Fomento Cinematográfico, caja que estaría detrás de la embestida oficial en el organismo–, el sábado se estrenó el crédito local “Fin de semana”, debut del arquitecto y  Dj Moroco Colman, en la Competencia Argentina, donde aún no se han visto propuestas descollantes. El filme de Colman, que a principios de mayo tendrá su estreno nacional –Córdoba incluida–, exhibe una bienvenida voluntad de sumar fibras de pasión al cine local: su protagonista es una joven en estado de rebeldía que explora el sexo como una forma de catarsis existencial, en medio de un duelo de profundidad incierta. Se trata de Martina (Sofía Lanaro, verdadero hallazgo local), una veinteañera de Carlos Paz que recibe la visita de Carla (María Ucedo), una mujer que supera los 40 años, cuyo vínculo con ella no es claro. Se sabe que ha habido una muerte y se nota que ambas mujeres tuvieron una relación estrecha en el pasado, aunque ahora Martina rechaza con violencia a su huésped, quien sin embargo se enterará de que la joven está teniendo prácticas sexuales extremas con un chico más grande del lugar, e intentará interceder para ayudarla. Narrada en tres episodios marcados por distintas propuestas formales (mayoría de primeros planos en pantalla cuadrada al inicio, Cinesmascope en la mitad y el 16:9 estándar al final) y diversos tratamientos de sonido, lo que acaso desnivele un tanto al filme, “Fin de semana” tiene una saludable ambición formal y temática que si bien no encuentra siempre una justa concreción, sí alcanza momentos de intensidad poco habituales en el cine argentino, con escenas de sexo que le devuelven nervio a una producción habitualmente anémica. Con un elenco que además de Lanaro y Ucedo incluye a Eva Bianco, Lisandro Rodríguez y Jean Pierre Noher, entre otros, la película encuentra en ellos sus mayores virtudes, gracias a su entrega a personajes que arden en la intensidad de la vida, así como también en los momentos donde las interesantes exploraciones formales de Colman se fusionan a las necesidades de la trama.

 

Por Martín Iparraguirre

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Published in: on 25 abril, 2017 at 16:14  Dejar un comentario  

Bafici 2017

El Bafici en su intenso presente

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O intenso agora

El Festival Internacional de Buenos Aires inició su 19 edición atravesado por la polémica en el Incaa y la Enerc

El Festival Internacional de Cine Independiente de Buenos Aires (Bafici) comenzó el miércoles con un acto inaugural que, lejos de la intrascendencia que suelen tener este tipo de eventos, anticipó el particular semblante que promete adquirir su 19 edición. Mientras las autoridades abrían el encuentro con la proyección de la película alemana “Casting”, de Nicolas Wackerbarth, en las puertas del porteño cine Gaumont se agolpaban miles de estudiantes, productores, realizadores, docentes y actores del rubro en defensa  de la sustentabilidad de la producción nacional, garantizada por el Fondo de Fomento Cinematográfico (FFC), caja que estaría detrás de la violenta intervención iniciada de hecho por el Ejecutivo en  el Instituto Nacional del Cine Argentino (Incaa) y la Escuela nacional de Experimentación y Realización Cinematográfica (Enerc), con las operaciones de prensa motorizadas contra sus presidentes, Alejandro Cacetta y Pablo Rovito, para obtener sus renuncias. No se trata de una particularidad porteña, pues las manifestaciones unánimes de protesta se multiplicaron en todo el país, Córdoba incluida, anta le sospecha de que el Gobierno iría por ese botín que sirve para solventar la producción nacional, que además no es financiado con los tributos ciudadanos sino a través de un impuesto especial a la facturación publicitaria pautada en radio y televisión y otro a las empresas multinacionales del rubro, y que finalmente pertenece por ley al cine a través de la administración del Incaa, ente autárquico independiente del Ejecutivo.

Gracias a la insólita capacidad del “mejor equipo de los últimos 50 anos” para generarse goles en contra, el Bafici porteño promete convertirse así en una plataforma internacional inigualable para la dimisión de esta batalla que resultará central para el futuro del cine nacional, que no por casualidad unió inmediatamente a todos los actores de la industria en defensa del mismo objetivo, oficialistas incluidos. No se trata de la natural politización de todo espacio cinematográfico, que por definición construye distintas visiones sobre el mundo y por tanto es atravesado por las disputas ideológicas del presente, sino de una pelea concreta por la distribución de fondos y su gestión de manera autónoma, independiente de los intereses políticos. La gestión del crítico Javier Porta Fuz se verá entonces ante un doble desafío nada sencillo: mantener la independencia que supo mostrar del Ejecutivo a la vez que dar espacio a los debates y las justas manifestaciones de todo el arco audiovisual contra su política intervencionista, resguardando al mismo tiempo su propia supervivencia y la del festival.

Ya la visita del célebre director italiano Nanni Moretti, reconocido militante de izquierda que será el principal atractivo de esta edición, y de una cineasta como Lucrecia Martel, una de las críticas más lúcidas de la gestión de Mauricio Macri –que el jueves dio una multitudinaria clase magistral–, fueron gestos de independencia interesantes de la dirección del festival, que supo poner al cine por encima de las disputas ideológicas y acaso también sus propias posiciones en ellas. Algo que se puede ver también en ciertas películas incluidas en la programación: más allá del peso de su director, Joao Moreira Salles, “En el intenso ahora” es un filme que sin dudas reverbera con particular potencia en el presente argentino. Exploración de la naturaleza transformadora de la política y su vinculación con dimensión más vital del ser humano, así como mirada desencantada sobre su irremediable futilidad, el regreso del director de “Santiago” es un lúcido ensayo sobre los sueños revolucionarios del ’68 organizado a través de la revisión de filmaciones caseras de los acontecimientos experimentados no sólo en Francia sino también en la China comunista de Mao, la Primavera de Praga en Checoslovaquia y la dictadura brasileña de los ’70. A través de la revisión de filmaciones familiares y de distintos materiales de archivo, Salles reflexiona con particular sutileza sobre las formas en que las imágenes contienen a un tiempo histórico de agitación y transformación colectivas, donde las jerarquías sociales de una sociedad fueron súbitamente trastocadas a partir de la acción ciudadana, aunque sin abandonarse a la mirada subyugada por aquellos sueños que finalmente quedaron truncos, tratando de analizar los límites de las revoluciones o el modo en que las burocracias políticas y económicas lograron restituir el estatus quo.

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O intenso agora

Estrenado ayer en la Competencia Internacional, “O intenso agora” asoma como un candidato firme gracias a la particular belleza que ostenta el compromiso del director con el pensamiento como una forma incorruptible de develamiento del mundo, en contra muchas veces de nuestros propios deseos e ilusiones.

Con más de 400 películas, el Bafici volverá a tener propuestas para todos los gustos, y el cine cordobés estará nuevamente presente con cuatro largometrajes en distintas competencias (“El pampero”, de Matías Luchessi, “Otra madre”, de Mariano Luque, y “Fin de semana”, de Moroco Colman, en la Competencia Argentina; y “La película de Manuel”, de Lucas Damino y Sebastián Menegáz -columnista de HOY DÍA CÓRDOBA-, en la Latinoamericana), y el estreno de “La mirada escrita”, de Nicolás Abello, en la sección de óperas primas.

Como de costumbre, en la sección Trayectorias se podrán ver las nuevas películas de los grandes directores contemporáneos como Hong Sangsoo, Aki Kaurismäki, Kelly Reichardt, Takashi Miike, Raoul Peck, Cristi Puiu o Walter Hill, entre muchos otros, mientras que los focos en el propio Nanni Moretti, el portugués António Reis, el norteamericano Alex Ross Perry, el francés Stéphane Brizé o el español Francisco Requeiro, aseguran un pertinente reencuentro con viejos conocidos o el descubrimiento de nuevos maestros a partir del repaso de la mayoría de sus obras.

Con todo, la pertinencia del festival se medirá también, hoy más que nunca, en su capacidad para dar espacio de expresión, debate y procesamiento al intenso presente que lo atraviesa, sin las miserias ni las intenciones ocultas que suele truncar a la política, con un objetivo mayor por el amor que naturalmente le debe al cine.

Por Martín Iparraguirre

(Especial para Hoy Día Córdoba)

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Published in: on 21 abril, 2017 at 15:11  Dejar un comentario  

Sin nada que perder

Sin lugar para los débiles

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Las mejores tradiciones del cine norteamericano siempre han sabido conjugar sus ficciones con los conflictos que atraviesa su sociedad, de suerte que la gran pantalla se convierte en un espacio de problematización y procesamiento colectivo de esos trances cuando las películas no pretenden ofrecer soluciones mágicas sino plantear lecturas críticas, he ahí su grandeza escondida. No hace falta irse muy lejos para comprobarlo: la última ceremonia de los Premios Oscar fue ejemplo suficiente no tanto por los galardones que entregó (que en su mayoría volvieron a responder a la corrección política, aún con los méritos que pueda tener “Moonlight”), sino por las obras que quedaron excluidas del palmarés, en especial “Hell or High Water”, traducida fallidamente aquí como “Sin nada que perder” (su título original significa “Pase lo que pase”). Notable policial que actualiza un género histórico como el western, el filme hace de la realidad actual de los Estados Unidos profundo un escenario ideal para plantear la cruzada justiciera de sus protagonistas –tema predilecto de ambos formatos narrativos-, que aquí tiene tanto de tragedia personal como de alegoría política, acaso la expresión justa de una condición de clase que los trasciende.

Firmada por el casi desconocido director escocés David Mackenzie, con un notable guión de Taylor Sheridan, Hell… tiene una puesta en escena de una precisión, elocuencia y belleza que pareciera provenir directamente del cine clásico. Ya en los títulos, una lacónica melodía ejecutada por violines anticipa el tono melancólico, decididamente crepuscular, del filme. Bastará luego un formidable plano secuencia inicial para presentar el contexto e introducir el conflicto de un solo golpe: un paneo registra allí la llegada de un automóvil con los dos hermanos protagonistas, Toby (Chris Pine) y Tanner (Ben Foster) Howard, a un banco texano, mientras en una pared derruida se lee la pintada “Tres veces en Irak, pero no hay plata para nosotros”. Cuando la cámara finalice su recorrido circular, los veremos sorprender a la empleada de la institución para ingresar a robarla, escena en la que quedarán sintetizadas las personalidades de cada quién: el menor, Toby, concentrado, callado y preocupado padre de dos hijos adolescentes a los que prácticamente no ve, mientras Tanner parece un volcán en ebullición, una bomba a punto de explotar a cada instante, a pesar de que acaba de salir de una condena de prisión de 10 años.  En la ruta de escape, en el momento de mayor felicidad que les deparará la película, las casuchas precarias que se divisan en profundidad de campo junto a los carteles que sólo ofrecen préstamos usureros para saldar deudas, completan el escenario adelantado por aquel graffiti, con el mismo motivo musical de fondo (la banda de sonido, otro acierto, pertenece a Nick Cave y Warren Ellis).

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Estamos ante el desolado paisaje que dejó la crisis económica en el país del norte para una mayoría de su población, en un Texas en estado terminal donde la única vía de salvación parecen ser los pozos petroleros. Toby y Tanner están lanzados una cruzada de autosalvación, a todo o nada: miembros de un largo linaje de rancheros pobres, el raid delictivo que emprenden busca juntar el dinero para saldar la deuda hipotecaria que la granja que han heredado tiene con la misma institución bancaria a la que asaltan en sus sucursales perdidas en pequeños pueblos, el Texas Midlands Bank, con el sueño de cortar ese karma para las nuevas generaciones que los suceden. Ocurre que en su terreno han encontrado petróleo, por lo que al Midlands Bank no le interesa precisamente que paguen su hipoteca. Claro que por otro lado está el ranger Marcus Hamilton (Jeff Bridges en uno de los mejores papeles de su carrera), un viejo y experimentado policía a punto de jubilarse que quiere despedirse con un logro a la altura de su impecable carrera, acompañado por su ayudante mestizo Alberto Parker (Gil Birmingham).

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Narrando paralelamente ambas tramas, el filme irá construyendo paulatinamente no sólo la tensión de un cruce que se anticipa trágico, sino la lectura política y social que lo enmarcará, agregando complejidades y capas de sentido en cada escena: ninguno de los personajes resulta aquí malo en sentido estricto (es notable el cariño que la película ostenta por unos y otros, con una colección de personajes secundarios notable), sino que todos son reivindicados de alguna manera en su dignidad al concebirlos como víctimas de un sistema cerrado que invariablemente favorece a los dueños del capital. Si bien cada tanto hay comentarios que explicitan esa bronca ciudadana (“Ese hombre parece capaz de ejecutar una casa”, dice el propio Marcus al identificar a un banquero), la película reconstruye con gran sutileza el espacio simbólico que divide a esa sociedad jerarquizada y que termina enfrentando a pobres contra pobres, particularmente con las tensiones raciales que atraviesan aún las relaciones más estrechas (son imperdibles los comentarios que Marcus y Alberto se tiran como navajas), a la vez que recrea una cultura de la violencia muy propia de la idiosincrasia texana pero también de una frontera caliente donde la población suma cada día nuevas frustraciones. A esa dimensión simbólica, Mackenzie le agrega un registro notable de los espacios geográficos que, aún con la belleza de una fotografía por momentos deslumbrante (hacía tiempo que no se veían estos cielos en el cine), traduce en la aridez de sus tonos sepia o amarillos seco, la implacabilidad de un destino sellado para las mayorías condenadas sin derecho a réplica.

Por Martín Iparraguirre

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PD: Sin nada que perder se estrenará de hoy al domingo en el Cineclub Municipal Hugo del Carril.

Published in: on 17 marzo, 2017 at 1:14  Dejar un comentario  

Hojas de Hierba

Relato y realidad

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Sea del ámbito y del color que sea, todo gobierno construye un relato, sencillamente porque las formas de la democracia así lo imponen: no sólo tiene la obligación de ofrecer un contexto explicativo a sus acciones, inscribirlas en una tradición específica y proponer una lectura del presente que se proyecte hacia un futuro posible, sino que finalmente su suerte se jugará en la capacidad que tenga para imponer esa visión al conjunto de la ciudadanía en la instancia central de nuestra vida política, las elecciones. La gran derrota del kirchnerismo ocurrió precisamente allí, no tanto en la lectura binaria de la sociedad que promovió (y que, eventualmente,  terminó por volverse en su contra), sino en ese juego fascinante que supo jugar como ninguno, en el que todo parece valer, pero donde perdió la legitimidad misma para orquestar un discurso válido: la insólita relativización de su derecho a tomar la palabra fue la “batalla cultural” ganada por esa especie de monstruo mitológico que ayudó a crear, que cualquiera podría imaginar con las mil cabezas del multimedios Clarín.

Es que todo gobierno construye también un enemigo a la altura de sus intereses y de sus ambiciones. En este sentido, el kirchnerismo quiso ser un movimiento fundacional como el primer peronismo, pero hasta ahora terminó parodiado por las valijas ingratas del exsecretario de Obras Públicas José López, como bien ilustra el relato de Cambiemos, que viene de mucho antes de su llegada a la Casa Rosada. ¿Qué lectura, qué visión del país ofrece el macrismo en sus discursos?

Montado sobre los manuales del autodenominado “gurú” del marketing Jaime Durán Barba, con el indisimulable apoyo de los principales grupos mediáticos a sus espaldas (basta repasar los millonarios beneficios que el ministerio de Comunicaciones acaba de regalar a Clarín para la explotación del servicio de 4G a través de Nextel a partir de 2018 para confirmar esa alianza poco sancta), el macrismo vino construyendo con el kirchnerismo un monstruo a su medida: ya en su última gestión porteña, el actual Presidente culpaba al “populismo” gobernante cada vez que sus propias medidas (como el aumento de la tasa de Alumbrado, Barrido y Limpieza en un 739,27% en siete años, a razón de un 105,61% por año), o sus propios escándalos (con el caso de espionaje a dirigentes opositores y a su fallecido excuñado, Néstor Lorenzo, desde la Policía Metropolitana, como emblema mayor), lo ponían en aprietos. Y esta modalidad se intensificó en su primer año al frente del Ejecutivo Nacional, donde la tan incierta como flexible “herencia recibida” fungió de excusa para justificar absolutamente todo, desde los despidos masivos en la estructura del Estado –luego rellenada con funcionarios propios con sueldos que triplican o cuadruplican los de quienes fueron echados–, hasta el ajuste desmesurado de las tarifas de servicios públicos o el escándalo por la millonaria condonación de deuda al Correo Argentino S.A.

Como en un falso culebrón centroamericano, el macrismo y el kirchnerismo se necesitan mutuamente tanto como se odian, a punto tal que la campaña electoral de 2017 girará indefectiblemente en torno a su oposición, por la propia decisión estratégica de ambos.

Pero aunque les pese a los semiólogos, no todo es discurso y la realidad tiende a emerger de tanto en tanto para complicar los planes. Fue lo que ocurrió la semana pasada con las manifestaciones masivas que durante tres días seguidos reunieron, en las calles porteñas, alrededor de un millón de personas provenientes de las más diversas extracciones sociales, ideológicas, gremiales y profesionales, mayoritariamente con un denominador común (aún para el paro de mujeres): el rechazo a la administración nacional de Cambiemos. Sólo una mirada interesada, como la del propio Gobierno o sus medios afines, puede detenerse en las internas gremiales que habría expresado el alzamiento final de una parte de las bases contra la dubitativa cúpula de la CGT, que evidentemente se vio desbordada por la dimensión de la convocatoria, pues el único dato cierto que dejó, alcanza a unos y otros: si la marcha terminó convirtiéndose en un tiro por la culata para Carlos Acuña, Héctor Daer y Juan Carlos Schmid, fue porque expresó un descontento generalizado con su actitud de connivencia con las políticas del Gobierno, sintetizada magistralmente a su pesar en la consigna principal que le dieron a la movilización, “si el Gobierno no cambia su política económica (sic), llamaremos al paro nacional”.

Como en tantos otros momentos de la historia política argentina, la calle volvió a ponerle límites a las abstracciones técnicas con que las cúpulas políticas y sindicales pretenden enmascarar lo evidente, y ni unos ni otros mostraron reflejos a la altura. La CGT llamará efectivamente el jueves a un paro nacional, pero la legitimidad de su ya precaria conducción quedó limada, porque la propia convocatoria quedará como una imposición de las bases a su interesada inacción. Y el Gobierno volvió a reaccionar según el libreto del duranbarbismo, cuyo único mandato parece ser el de hacerse los distraídos: salió a dar cifras engorrosas para desmentir una recesión que alcanza a casi todos los sectores de la industria y desconoció los reclamos, aunque horas después los propios datos del Indec ratificaron una nueva disparada de la inflación (2,5% en febrero) que desmiente sus proyecciones para las paritarias (y que, encima, se explica en un 50% por la aplicación del plan de Precios Cuidados, que terminó funcionando como otro golpe para el consumo ciudadano). Contra el discurso optimista sin fundamentos, el Observatorio de la Deuda Social de la Universidad Católica Argentina (UCA) le puso cifras concretas a las consecuencias de la política económica, con 1.500.000 nuevos pobres en apenas nueve meses de gestión. Y el exrector de la Universidad Católica de Córdoba (UCC), el jesuita Rafael Velasco, lo confirmó esta semana: “la responsabilidad de este aumento de pobres es del presidente Mauricio Macri”, aseguró.

Como muestra, basta un botón: acostumbrados a estar a la vanguardia de la lucha social, los docentes volverán esta semana a la huelga en todos los niveles educativos, ante la obstinada negativa del Gobierno a convocar a la paritaria nacional, como marca la ley. Con un relato que se aleja cada día más de los problemas cotidianos, cercado por los conflictos esperables de una gestión integrada por empresarios que súbitamente se encuentran a ambos lados del mostrador, y con el Presidente a la cabeza de los escándalos por las incompatibilidades que generan los negocios de su familia (y la mayoría del Gabinete imputado en alguna causa), Cambiemos va en camino acelerado a parecerse a aquél monstruo que supo construir y dice combatir, al punto que muchos ya se preguntan si la criatura se terminará devorando a su propio creador.

Por Martín Iparraguirre

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Pd: la fotografía pertenece a la película “Anchorman: La leyenda de Ron Burgundy”, de Adam McKay

Published in: on 15 marzo, 2017 at 1:51  Dejar un comentario